갤러리 세줄 개관 기념 기획전 : 중심(中心)의 상실(喪失)전

포스트모더니즘 시대인 현재는 ‘중심’의 의미는 상실되고 있다. 개관전 주제인 ‘중심의 상실’은 ‘중심’의 의미와 소위 중심으로부터 벗어난 새롭고 신선한 시각을 비교 검토할 수 있는 퍼포먼스, 설치, 비디오, 순수 평면 등의 다양한 장르를 통하여 그 대안을 생각해보고자 하는 의미에서 기획된 것으로 총 3부로 구성되어 있다. 제1부 작가인 오를랑(Orlan)은 프랑스를 대표하는 작가로서 본래 행위예술가로 출발하여 자신만의 독특한 작업 전개 방식, 즉 자신의 신체를 직접 매체로 이용한 작업, 특히 얼굴에 대한 성형 수술을 통하여 美의 개념에 대해 근본적인 질문을 던지면서 작업의 독창성으로 인하여 이미 세계적으로 그 명성이 널리 알려져 있는 국제적인 작가이다.

2부 전시에서 가장 중요한 컨셉(concept)은 음향(sound)을 통한 관객과의 상호작용이라고 할 수 있다. 즉 관객들이 전자 오르간과 첼로를 연주하는 동안 화면의 영상은 비로소 진정한 생명력을 얻기 때문이다. 먼저 김영진은 ‘액체-습지’라는 제목의 이번 작품에서 전자 오르간을 매개로 한 유동적인 액체 작업을 선보이고 있다. 우리들에게 그의 액체 작업은 낯선 것이 아니다. 그러나 이번 전시에서 보여지는 그의 작업은 한층 더 발전되고 새로운 것이다. 앞에서도 언급했듯이 관객들이 전자 오르간을 연주하면 화면의 액체들은 각 건반들의 음(音)과 진동에 의해 다양한 형태들로 변화된다. 김영진은 이번 작품에서도 여전히 물성(物性)과 이미지, 쟝 보드리야르가 언급했던 시물라시옹(simulation)의 문제들을 제기하고 있다. 물성과 이미지는 모더니즘과 포스트모더니즘 시대를 대표할 수 있는 특징들이다. 그는 여전히 이런 문제들에 대해 우리들에게 끝없는 질문들을 던지고 있다.
양만기 역시 이번 전시에서 다분히 획기적이라고 할 만큼 새로운 작업들을 선보이고 있다. 그러나 평면과 영상 작업을 병행해왔던 그의 작업 과정의 추이(推移)를 보아온 사람들이라면 이번 작업들이 새로운 작업의 연장선상에 있다는 것을 충분히 이해하게 된다. 그의 ‘접촉-온도 프로젝트 10’이라는 제목의 작품은 미술 작품에 음악적인 요소인 ‘음향’을 직접적으로 결합시키고 있다. 즉 첼로 10대 모두에 온도 센서를 달아 관객들이 첼로를 손으로 직접 연주하게 되면 사람이 가진 체온을 감지해 각 첼로에 달린 모니터 영상에 관련된 음향이 들리게 된다. 또한 그는 이번 전시에서 ‘잔상(殘像)’이라는 제목을 가진 16mm 영화 필름을 상영하는데, 그는 이 작품에서 반복되는 일상생활의 모습을 통해 한 사람의 독자적인 자아(自我)나 본질보다는 그 사람의 이름(name)이나 이미지 등이 개인의 본질을 대체하고 있는 현실을 비판하고 있다.

제3부 작가인 김춘수는 이번에 ‘수상한 혀 시리즈’에서 한층 더 발전된 작품 ‘Sweet Slip 시리즈’를 선보인다. 이번 작품들은 예전 작품들에 비해 화면에서 여백(餘白)이 많아졌는데, 이것은 그의 마음이 넉넉해졌음을 대변하는 것이다. 그의 트레이드 마크처럼 되어 버린 푸른 톤의 터치에서 느껴지는 힘찬 기운이 화면을 가득 채우고 있는 ‘Sweet Slip 시리즈’에서 우리는 깊이 있는 사고와 성찰을 통해서 구축된 그의 예술세계를 여실히 느낄 수 있다. 그는 자기 자신은 누구이며 또 지금 무엇을 하고 있는가? 라고 하는 근본적이고도 끊임없이 반복되는 반문(反問)을 통하여 진리(본질)에 대해 지속적으로 탐구하고 있다. 구체적이고 형상화된 이미지는 작가의 느낌을 전달하는데 있어서 그것을 표현하고자 하는 ’의도‘와 ’목적‘의 개입 때문에 오히려 본질로부터 멀어지게 된다. 이처럼 작품에 있어서 구체적이고 형상적인 이미지에 대해 문제를 제기하는 그의 작품은 의식적인 목적의 개입으로 생겨난 본질과의 거리를 없애고 진솔한 기운을 느끼게 하는 무의식적인 작가의 호흡을 반영하기 때문에 ’행위‘와 ’신체성‘을 반영하고 있다. 그는 여전히 직접적인 느낌을 표현하기 위해 붓 대신 손가락에 물감을 직접 묻혀서 선을 긋는다. 일단 붓 자국이 들어가면 작가의 느낌이 파괴된다고 생각하기 때문이다. 이것은 그가 인위적으로 만들어진 것이 아닌 원초적이고 근본적인 것, 본질적인 것들을 추구하고 있다는 것을 의미한다. 이처럼 원초적이고 근본적인 그의 행위에서 만들어지는 선들의 무수한 중첩은 화면에 다양한 변화와 리듬을 부여해 동양화에서 느낄 수 있는 ’기운생동‘을 느끼게 한다.

최인선이 그의 작품에서 근본적인 문제로 다루어오고 있는 것은 다름 아닌 언어와 소통과의 문제이다. 그의 작품에 등장하고 있는 각종 기호나 형태 이미지들은 작가의 사고와 생각의 단편들, 혹은 경험의 단편들을 객관화한 것들로서 이것은 다름 아닌 개념적인 이미지, 작가만의 언어 이미지들이다. 그리고 이러한 언어 이미지들은 작가의 표현을 빌리자면 ‘시작되는 점도 없고 결론되어지지도 않는 어떤 과정의 선상에 놓인 사고의 파편들’을 제시한 것으로서, 일종의 작가 자신의 사고(思考)조각들인 것이다.
필자가 앞에서 ‘사고조각’이라고 표현한 것은 이중의 암시성을 내포하고 있다. 즉 단순히 작가의 사고에 대한 파편으로서의 조각(爪角, a piece)이라는 뜻과 함께 작가가 그러한 언어 이미지들을 단순히 평면적인 캔버스 위에 그리는 행위가 아니라 마치 캔버스 위에 조각하는 것처럼, 각인시키는 것과 마찬가지라고 해석하고 있기 때문이다. 그리고 이렇게 각인된 그의 언어조각들은 새로운 의미들을 창출해내는 생명언어가 되고 있다. 즉 작가는 자신의 무한한 사고 과정 속에서 마치 두부를 잘라내듯이 그 과정의 한 단편들만을 드러내고 제시할 뿐이지만 그 작품을 바라보는 감상자들은 그 단편들을 각자의 내면 세계로 끌어들여 그것들을 무한히 연장시키기도 하고 반대로 자신의 내면을 작가의 작품 속에 투입시켜 동화(同化)되기도 하면서 새롭고 다양한 의미들을 창출해내기 때문이다. 이것은 그의 언어조각들이 정형화되고 규칙적인 기호체계를 통해 단 하나의 의미만을 전달하는 것이 아니라 각자의 상상체계를 통해서 무한한 의미로 파생된다는 것을 의미한다. 다시 말해 수많은 가능성들과 새로운 의미들이 그의 작품 속에 표현된 언어를 통하여 새롭게 탄생하게 되는 것이고, 결국 이것은 그의 언어조각이 본질적으로 작가 자신의 이야기만을 관객들에게 일방적으로 제시하고 드러내는 방식이 아니라 서로 호흡하고 공감하는 과정을 통하여 다양하고 무한한 의미와 새로운 가능성, 새로운 생명력을 창출해내는 생명언어라는 것을 의미한다.